永恒之门

威廉·达福将加盟朱利安·施纳贝尔([潜水钟与蝴蝶])执导的新片[在永恒的门口](At Eternity’s Gate，暂译)。达福将在片中出演文森特·梵高。电影将聚焦梵高在法国阿尔勒与瓦兹河畔奥维尔度过的时光，重点讲述艺术家的创造力和为创作做出了怎样的牺牲。该片将在法国当地取景拍摄。

第91届奥斯卡金像奖最佳男主角(提名)威廉·达福 第75届威尼斯电影节主竞赛单元 金狮奖 (提名)朱利安·施纳贝尔 第76届金球奖电影类 剧情片最佳男主角(提名)威廉·达福

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威廉达福的梵高是我看过的银幕梵高形象中目前最喜欢的没有之一，精彩而不浮夸的演技与摄影镜头呈现的人像特写质感都功不可没。看的时候不会去对比是否“真实可信”，能感受到导演同为艺术家，是在通过这部电影、借助梵高的形象和故事来表达他对绘画之路的理解。同时也并不脱离人物性格，亦针对一些普遍的误解做出了可信的澄清。会觉得导演“是懂艺术的”。少有地呈现了绘画过程的镜头，也是很敢拍。立意经典而朴实，描绘梵高与艺术、与自然的探求时，叙事平稳小心却不落俗套；展现与弟弟、高更的关系时，情绪张力表现算是小有惊喜。手持抖动镜头的使用还算克制，主观视角下偶尔出现的视偏差滤镜刚出现时会嫌它塑料感略重，但在高更离开的那段表现中发挥了它的独特效果，姑且原谅了。顺带一提这段是我最喜欢的镜头……大银幕看冲击力和感染力真的太强了。

19-12. 没有感情史、没有从小到大成长史、没有强烈的高潮转折，只是纯粹的，梵高，和他的画。一部足以勾起人对梵高人生提起深入了解之兴趣的电影。大量手摇镜头。脚底的草丛、短焦距人脸、明耀到不真实的光线、重影、重声，运用了很多梵高的视角。令我稍感意外的是，这样刺痛类的传记片，竟然没有割耳的残忍过程。梵高的割耳竟然与高更有关。原来高更是人生导师的角色吗。高更这句"You overpaint. The surface is made of clay. It's more like sculpture than painting. "点醒我对梵高画作喜爱之点。"This flower will wither and die. Mine will resist."就是梵高的美式口音太违和了。

90/100。完全理解差评居多的现象，但我真的很喜欢这部电影。剧本是硬伤，这是真的。剧情太弱直接导致许多人把该片打入差评行列。不过仔细看看，还是能理出一条完整的故事线的。威廉·达福贡献2018年最佳演技，梵高早就被多次搬上银幕，但是他的梵高再次震撼到我：面对怀疑时眼神里的那种偏执、倔强和坚定，面对弟弟时的那种无助和绝望，威尼斯影帝与奥斯卡影帝提名实至名归。很多人吐槽影片台词，我也不是很喜欢。但是转念一想，谁知道处于极度精神混乱状态下的梵高会说出什么话呢？他不被世人理解，没人能读懂他画中燃烧着的光芒。不论结尾处的死因是不是真的，我们只知道：他始终不愿意连累任何人。在法国色彩缤纷的田野里，我们能看到那位画家背着画架渐行渐远，眼里闪耀着跳动的火焰，足以将一切燃尽......

我认为热情和窒息之情是两级想通的，梵高画出了向日葵、黄房子、永恒之门，热情是他窒息的头脑的产物。而我在看这部电影时，感到了这种真实的感觉。视野的无规律的模糊，其实是真实远多于虚构的一种感受。常常摄影的人都会感到，拍出来的照片和眼睛看到的感受永远有不可言说的区别，最后都会得到结论，摄影和看见是完全不同的艺术。原因就是人眼看事情时，确实并非全画幅对焦准确，不是景深的问题（实际，神奇的人眼的景深大得不得了，对焦又可以准确地不得了），而是人眼会非常有选择并且又非常强力地聚焦。而这部影片的摄影完全打破了，或者正确地说，是建立起了正确的摄影，那就是摄影和人眼、感受的统一：当人的精神残缺时，视野也是残缺的，当人的精神是剧烈的，视野也是剧烈的。就这么容易，就这么困难。

导演表达的意识和想法非常新颖，大量手持，广角，逆光，中近景怼脸。导演试图不断引导观众走近与走进梵高这个大师。可惜的是，作为传记，本作着实有些失败。导演似乎没有真正地去探寻梵高，他表达出来的梵高具有很大的主观性质，这是导演理解的梵高或者说是世人眼中的梵高。这样去做一个表意并非不可，但是对于这种世界级的大师这种表意不能说是平庸而是导演不作为，导演压根没有从梵高自身身上去挖掘和再发现的想法。整体的构图和摄影都在轨道上，达福的表演更是称起了这个空洞的人物形象。片子和优秀的差距可能就在导演对梵高的呈现上了。而且音乐太满，摄影太好，人物太空，剧情太散，mv风格太盛。梵高在片中一句一句地往外蹦哲学思考实在过于违和。这可能是这届奥斯卡传记中最差劲的一部。

晕船者慎入！我理解导演试图通过摇晃的手持镜头表现梵高的疯魔，但不是这么个通篇摇晃啊。不稳定的镜头带来的不适感，经常会把我拽离剧本和画面，陷入不断跳出又不断重回片子本身的循环中，这种中断和不连续对于表达是致命的。起码按照阶段，运用不同的镜头语言。在初到普罗旺斯时，那种刺眼的阳光，明媚的田野，用长镜头拍出那种美不好吗？慢慢过渡到夸张强烈而富有生命力的画作，燥热的环境和不被人理解的疯癫，这时不稳定的手持镜头才显出优势。相比较起来，为什么《波西米亚狂想曲》可以把Queue的传记故事讲的深入人心，把主唱佛莱迪的年少轻狂，到成名后的迷茫，再到救赎与回归自我表现的淋漓尽致？传记在本子上很难出彩，镜头语言就显得尤为重要。

没想到willem dafoe扮演的还蛮像的，除了我对英文的对白有些意见之外，毕竟法国拍的电影应该大部分还是用法语比较有代入感。梵高的眼睛是有滤镜的，情感是它的调节阀门。他是孤独可怜善良的。其实人在任何一个时代都在寻找自己想要的东西和真理，对梵高而言可能是亮黄色的田野和自然，是躺在土地上说吸着泥土飘落下来的味道。我在阿尔勒短短的待了不到一个小时。在它画的星空下的咖啡馆前停留了一会儿，它和任何名人笔下或者画下的东西一样不可避免的成为一个打卡的景点，但细看，它好像真的一切都没有改变?话说他再阿尔勒的那段时间，并没有多少人喜欢他，不是所有人都能够善良对待一个近似于疯子都天才的。

对关于梵高的电影永远也不会拒绝，但是不是可以换个思路，这种纵览一生型的实在看不出什么新意了。优点是部分画面拍出了点梵高般耀眼色彩的感觉，虽然不知道小半幅虚焦是何用意。威廉达福也有几分神似，就是老了点。肆意妄为的不规则运镜似乎不太适合年代戏，仿佛人手一个手机一样，人眼的防抖功能还是很奏效的，即便是神志不清的梵高视野也没那么颠簸吧。影片结构也支离破碎，缺乏亮点。更要命的是，你很难被说服去相信哪些是梵高的原话，哪些是他的本意，或者一种创作，比如，他说“我过去认为艺术家应该教人们怎样看待世界，而现在我只在意自己与永恒的关系“。WOT

片子本身也就3星吧，为威廉达福加一星。我看豆瓣标注为传记片我倒是觉得这片子根本不是传记片，里面夹杂了太多导演编剧想表达的东西，像是一个后评价式的电影。片子有太多导演的标志性语言了，和潜水钟和蝴蝶差不多的镜头方式有，镜头中一部分虚焦、斜拍俯拍来回变换、第一视角、手持、剪辑点音乐突然停止，类似这种很多。主角威廉达福真的是演什么都能看出那种认真劲，有很多小表情都表达的很合适。片子有点上帝视角。开篇的黄和结尾的黄有对应更喜欢开头的那部分，喜欢开头男主与自然融合的镜头。

我不懂畫，所以不知道給一兩顆星的是不是覺得導演沒有展現好這位偉大的畫家，但就我自己而言是很沉浸其中的。導演和畫家一樣，都應該用手上的工具去呈現腦中獨特的世界，希望把自己的看見變成所有人都能看見。影片盡可能帶大家進入梵高不同時候的狀態(也可能只是導演的yy)，創作時，對話時，混亂時，虛掉底部的主觀鏡頭，把攝影機橫放，讓對方直視鏡頭講話，很多有意思的設計。有人覺得梵高進入大自然作畫時的部分都是手持＋mv，但我覺得那樣不打擾的方式就是最好的方式。

在看之前搜過豆瓣 很多劣評 但今天一看 發現其實是挺不錯的作品 一開始很不理解為何要有這麼多hand held鏡 晃到我頭暈 後連結到梵高所說的 想給其他人看到他的世界 就覺得挺能理解的。最喜歡是 梵高提出他的畫能永恆的點題部分 父親提出了我沒能連接的細節 向日葵園其實早已枯萎 但梵高畫中的向日葵依然燦爛 就像梵高對世界的見解 他會死去 但永不會磨滅 梵高真的是善良的人啊 真的 非常純粹的一人

你看到的世界上么样子，sunlight，那种超大广角看这个世界，似乎都有东西离自己都非常的近，但是又活在自己的世界中，就算这个世界离我非常的近，我却感觉非常的远，有一句话我站在你眼前却感觉离你十万八千里，梵高用自己的内心感受他所看到的，所以大自然离他特别近，但是就算梵高站在你跟前，你也会觉着他离你非常远，他的画画的不好看，甚至都不想正面摆出来。大广角，加些许镜头前的模糊，似近似远。

用梵高和高更聊創作這也太取巧了。導演以前搞了二十多年新表現主義結果現在還沒放下畫畫。這部戲其實拍人臉拍得很好，尤其所有對話都以傳遞式的鏡頭不斷地複寫兩個人的臉，拍出了雕塑一樣的質感。整部電影立意是有點土...選梵高題材真的很沒創意了。實際上我不想看任何一個藝術家的虛構側寫，但我也不覺得他塑造這樣一個梵高是冒犯。完全還原也是無趣的，不過傳記片這類別早點消亡好，不想再看了。